Siamo dinanzi a una corrente filosofica e di pensiero che non nasce in Italia ma che trova diffusione anche nel nostro paese. Il punto focale è la lotta contro l'irrazionalità e contro i pregiudizi e l'ignoranza politica (da questo deriva la celebre espressione "lumi della ragione"), così come spiegato dalla definizione di Immanuel Kant, il cui pensiero è da considerarsi l'espressione più alta dell'Illuminismo filosofico.

 

In Italia l'Illuminismo assume caratteri particolari e specifici rispetto alla Francia, che è il paese di irradiazione del nuovo modo di pensare: è infatti pragmatico e tende a preferire alla discussione e alla filosofia la rielaborazione dei principi in funzione di contesto concreto, pensando dunque alla possibile applicazione reale. 

 

I centri di diffusione dell'Illuminismo sono in particolare due città, Napoli e Milano; nella città partenopea la riflessione è di stampo filosofico e astratto, e si pratica soprattutto nelle accademie e nei circoli, ossia in centri chiusi in cui gli intellettuali comunicano tra loro. Le loro idee trovarono terreno fertile nella politica di Carlo di Borbone (sul trono dal 1734), ma vennero arrestate poi nel 1759 dall'ascesa su trono di Ferdinando IV; torneranno a farsi sentire con i moti di fine secolo. 

 

A Milano invece i temi sono principalmente economici e politici, e la riflessione, di stampo concreto, si attua in un clima di collaborazione reciproca. Per essere ancora più precisi, i milanesi devono essere considerati dei riformisti, non dei rivoluzionari (come spesso sono invece visti i francesi); essi sono moderati e non radicali, e il loro obiettivo è migliorare alcuni aspetti delle istituzioni politiche, non sovvertire l'ordine precostituito. L'aspetto notevole dell'illuminismo italiano è la costituzione di una classe culturale di intellettuali che poteva collaborare con l'amministrazione del potere, a differenza della prima metà del secolo, in cui si erano distinte figure notevoli, ma isolate, di pensatori, come Gianbattista Vico e Ludovico Muratori. 

Autori e generi dell'Illuminismo italiano

Il genere letterario caratteristico è quello del libello o pamphlet, ossia un breve trattato, densamente argomentato, in cui l'autore espone le proprie idee e giustifica le riforme che vuole proporre. È comune che gli intellettuali si rispondano tra loro con opere successive, instaurando così un dialogo attraverso la letteratura.

 

Espressione significativa dell'Illuminismo lombardo è il Caffè, un periodico voluto dai fratelli Verri, Alessandro e Pietro.

 

Forse però l'opera più rappresentativa, soprattutto per la sua risonanza in Europa, è Dei delitti e delle pene di Cesare Beccaria. Il testo venne scritto nel 1763 e pubblicato l'anno successivo. Beccaria, il più famoso degli illuministi milanesi, era appunto milanese di nascita ed era laureato in legge; si tratta di un particolare interessante, perché non siamo di fronte a un letterato di professione, ma a un giurista che si occupa di scrittura. L'opera venne scritta dopo una serie di discussioni sul tema con altri intellettuali, tra cui i fratelli Verri, che rivendicarono la loro autorità sull'opera. È stato dimostrato però che lo stile è senza ombra di dubbio suo, ma il litigio è interessante perché documenta la genesi delle opere e il loro carattere di discussione all'interno dell'accademia. 

 

Per quanto riguarda la storia della lingua, è innovativo l'uso dell'italiano per un tema giuridico, che di solito si esprimeva in latino. L'idea di Beccaria è che solo un cambiamento giudiziario è in grado di cambiare la società, anche nei suoi aspetti legati alla superstizione; si tratta di una riflessione che avrà poi vasta risonanza nelle opere di Manzoni. Il suo pensiero si basa sul concetto di tolleranza e di uguaglianza; la trattazione è squisitamente argomentativa, e comprende alcune distinzioni importanti che sono poi alla base del pensiero giuridico moderno, come la differenza tra pena e reato, o quella tra peccato e crimine (importante nei rapporti con la Chiesa).

 

L’ESPERIENZA DELL’ENCYCLOPÉDIE

 

La storia della pubblicazione dell’Encylopédie

 

L’Encyclopédie, o Dizionario ragionato delle scienze, delle arti e dei mestieri, nasce dall’idea di un libraio parigino, André Le Breton, di far tradurre a Denis Diderot (1713-1784) la Cyclopaedia, o Dizionario universale delle arti e delle scienze (1728) dell’inglese Ephraim Chambers (1680-1740), membro della Royal Society di Londra ed autore di quello che all’epoca era ritenuto un punto di riferimento per la circolaizone del sapere. Breton si associa con tre colleghi (David, Durand e Briasson) ma è Diderot, affiancato da Jean-Baptiste Le Rond D’Alembert (1717-1783) per la parte matematica, a trasformare il progetto originale in un piano di ben più ampio respiro, riversando nei volumi di Le Breton tutta la tensione al rinnovamento filosofico e politico-sociale che animava l’Illuminismo e il gruppo dei philosophes.

Per quanto riguarda la cronologia dell’opera, il primo volume viene pubblicato nel luglio del 1751, mentre il secondo volume esce l’anno seguente (nel 1756, alla pubblicazione del sesto volume, le sottoscrizioni saranno più di quattromila). La pubblicazione deve tuttavia subire più d’una battuta d’arresto, a causa delle aspre opposizioni di gesuiti, giansenisti e dell’ambiente religioso di corte; grazie all’aiuto di Madame de Pompadour e del giurista Guillame Malesherbes, un anno dopo, nel 1753, può uscire anche il terzo volume. Nel 1757 la produzione entra in crisi a causa di problemi tra i collaboratori (alcuni dei quali, come D’Alembert, abbandonano il progetto), dovuta principalmente alle tensioni dovute a una campagna di diffamazione contro gli enciclopedisti e all’inasprimento della censura dopo un attentato a Luigi XV. Dopo svariati anni di direzione solitaria di Diderot, affiancato solo da pochi amici devoti, nel 1772 esce l’ultimo tomo dell’Encyclopédie, che annovera diciassette volumi di voci ed undici di tavole illustrate.

 

Arcadia

Napoli fu soggiogata agli spagnoli, poi all'Austria dal 1707, di nuovo agli spagnoli dal 1735, fino a conquistare l'indipendenza nel 1759 sotto Ferdinando di Borbone. Lo stato di asservimento, nella quale versava la popolazione, artisti compresi, unità alla splendida genialità partenopea, garantì la continua produzione di Opere liriche, che mantenne il suo primato qualitativo in tutta Europa. Le melodie napoletane si distinsero per la malinconia di certe soluzioni armoniche, che ben riflettevano la mancanza di libertà sociale. Un nuovo Teatro nel 1737 prese il posto del vetusto San Bartolomeo, cioé il San Carlo di Napoli (in omaggio al sovrano). Furono messe in scena Opere Buffe, che iniziarono un nuovo genere e influenzarono la musica europea, specie l'Opera e la Canzone francesi. A Napoli si sancì la demarcazione tra i generi serio e buffo. Questo avvenne per la prima volta al mondo. Gli argomenti dei nuovi lavori erano ambientati nel mondo della borghesia. I personaggi si ispirarono alle Compagnie di Commediografi, che erano attori, e insieme cantanti professionisti. All'Opera buffa si dedicarono musicisti napoletani, rappresentanti di botteghe musicali di prim'ordine. Quella era la musica d'avanguardia del tempo. Gli spettacoli si tennero prima nel Teatro dei Fiorentini, poi nel Teatro Nuovo e infine in quello Del Fondo.

La musica, linguaggio universale ed espressione profonda dell’arte, ha caratterizzato e segnato da sempre le epoche ed i periodi storici, diventando parte integrante della cultura e delle tradizioni di ogni popolo. La musica italiana vera e propria si è sviluppata solo a fine Ottocento: fino ad allora, protagonista e regina indiscussa del mondo musicale fu quella in dialetto e soprattutto quella napoletana. Da ricordare che i primissimi canti napoletani divulgati a Napoli erano tutti di matrice ellenica.

Solo nel 1500 comparve a Napoli la villanella, ovvero la canzone villanesca profana, che gettò le basi della vera e propria canzone napoletana. A seguire, nel 1600 nacque la famosissima tarantella e nel 1700, oltre alla diffusione dell’opera buffa, genere teatrale, basato anch’esso sulla canzone, fu sempre più in voga l’ “usanza” di fare serenate alle donne amate. Canti popolari divennero opere buffe e viceversa.

LO CARDILLO

Ci sono anche tantissime leggende sui cardellini. Nell’antica cultura partenopea il cardellino rappresentava lo spirito dell’uomo che volava via al momento della morte. Questo significato fu poi assorbito nella successiva cultura cristiana che lo collegò alla passione del Cristo. Una leggenda narra infatti di un cardellino che tentando di estrarre le spine dalla testa di Gesù in croce si macchiò col suo sangue restando così per sempre con la macchiolina rossa sul capo. Questa tradizione la si ritrova nella Madonna del cardellino, un quadro dipinto da Raffaello Sanzio nel 1506 e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze. In questa opera un piccolo San Giovanni Battista offre un cardellino a Gesù bambino come simbolo della Passione che sarà da venire.

In ultimo non poteva mancare la connessione con la canzone classica napoletana. Questo uccello ha infatti ispirato una delle più belle canzoni napoletane della prima metà dell’ottocento intitolata proprio Lo Cardillo (conosciuta anche col titolo Lo Cardillo ‘nnammurato). Si tratta di un antico canto popolare napoletano che nel 1849 fu rielaborato ed adattato da Ernesto del Preite e Pietro Labriola. Ed è proprio questa la versione che ci è pervenuta. In questa canzone un innamorato deluso decide di istruire il suo cardellino in modo che questi possa volare dalla donna amata e spiarla.

Reggia di Caserta

La Reggia di Caserta era il palazzo reale dei Borbone, sovrani di Napoli e di Sicilia. Fu progettata dall'architetto Luigi Vanvitelli; a lui Carlo III di Borbone aveva commissionato, nel 1751, la costruzione di un edificio che competesse con la reggia di Versailles, in Francia. I lavori si conclusero nel 1774.
La reggia è un magnifico edificio a cinque piani: comprende 1.200 stanze, 1.970 finestre e 34 scaloni. È circondata da un parco, anch'esso progettato da Luigi Vanvitelli, ornato con fontane, statue, laghetti.

Antonio Canova (1757-1822) scolpì la celebre statua in marmo dedicata a Paolina Borghese tra il 1805 e il 1807. La scultura, in stile neoclassico, raffigura la sorella di Napoleone Bonaparte e moglie del principe Camillo Borghese. È conservata alla Galleria Borghese di Roma.

David: La morte di Marat

Il pittore francese Jacques-Louis David (1748-1825) eseguì questo famoso dipinto nel 1793. Il quadro è un ottimo esempio di pittura storica: raffigura infatti la morte del rivoluzionario francese Jean-Paul Marat, assassinato da Charlotte Corday nello stesso 1793.

Ingres: Grande odalisca

La Grande odalisca del pittore francese Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) è un'opera di gusto neoclassico, anche se il soggetto orientale non è tipico dei pittori neoclassici.
Il dipinto fu realizzato nel 1814 e all'epoca fece scandalo, non perché raffigura una donna nuda, ma perché la spina dorsale è troppo lunga! Il pittore aggiunse (volontariamente) tre vertebre. Il quadro è oggi conservato al Museo del Louvre a Parigi.

Copertina di Dei delitti e delle pene

L'opera di Cesare Beccaria Dei delitti e delle pene fu pubblicata anonima nel 1764, a Livorno. In essa Beccaria criticava fortemente l'uso della tortura e soprattutto condannava senza mezzi termini la pena di morte, che definì "né utile né necessaria".

Giuseppe Parini

Giuseppe Parini (1729-1799) compose odi e poesie che uniscono passione civile e forma classicheggiante. Di ispirazione illuminista sono in particolare le prime Odi, nelle quali esalta il "fare" e il progresso. Le ultime opere (Il giorno e le Odi più tarde) riflettono invece la delusione del poeta: alla passione civile si sostituiscono temi come la bellezza femminile.

Vittorio Alfieri

Vittorio Alfieri (1749-1803) fu uno spirito irrequieto e ribelle a ogni forma di autorità. Compose oltre venti tragedie, che stampò a spese proprie e che destinò a un pubblico colto, raffinato e aristocratico, non a compratori anonimi. Tra queste tragedie, le più famose sono Antigone, Saul e Mirra.
Alfieri scrisse anche un'autobiografia (Vita di Vittorio Alfieri da Asti scritta da lui medesimo). 

Immanuel Kant

Il filosofo tedesco Immanuel Kant (1724-1804) è considerato uno dei fondatori del pensiero moderno. Nella Critica della ragion pura, pubblicato nel 1781, attribuì alla ragione i meriti delle conquiste della scienza; nella Critica della ragion pratica, del 1786, attribuì alla ragione la supremazia in campo etico e morale.

Voltaire

Lo scrittore e filosofo francese Voltaire (1694-1778) fu uno dei più importanti esponenti dell'illuminismo, un movimento culturale e filosofico che esaltò la ragione e la scienza.
Voltaire era convinto che la letteratura dovesse avere una funzione sociale e nei suoi scritti condannò severamente l'intolleranza e la tirannia. Fu molto critico anche nei confronti della chiesa cattolica, con la quale ebbe numerosi contrasti. Tra le sue opere ricordiamo: Candido, ovvero l'ottimismo e Il dizionario filosofico.

Jean-Jacques Rousseau

Il filosofo francese Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) fu uno dei principali esponenti dell'illuminismo. Fondamento del suo pensiero filosofico è la convinzione che tutti gli uomini siano per natura buoni e che i mali della società derivino dalla bramosia di ricchezza, dall'ambizione e dalla vanità. Alla società attuale egli contrappose uno stato di natura in cui gli uomini erano "liberi, sani, buoni e felici". Tra le sue opere ricordiamo il Contratto sociale ed Emilio.

Georg Wilhelm Friedrich Hegel

Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831) fu il principale esponente dell'idealismo, una corrente filosofica che si affermò in Germania nell'Ottocento. Hegel sostenne che le conquiste più preziose dello spirito umano (la cultura, la scienza e la religione) sono il frutto della dialettica. La dialettica è un metodo per giungere alla verità tramite l'analisi di due idee contrapposte.